Cumplía sus diez primeros años sin ninguna actividad especial. Mantener el espíritu, consolidar espacios, encontrar el equilibrio presupuestario con los recortes sobrevenidos frente a la idea de mantener el mismo nivel de calidad. Se cumplieron los objetivos, se superaron los momentos de dudas y se prepara la undécima edición con las ilusiones renovadas.
Procuramos acudir al máximo de actuaciones de las compañías locales. Y este año, en la programación a la que pudimos asistir en la primera semana, una misma actitud de compromiso, pero resultados muy dispares, tanto por su confrontación de cualidades, como por el mismo punto de partida. Sin más preámbulos.
Los pernambucanos del Grupo Magiluth presentaron en diferentes espacios de Brasilia y sus alrededores, Ato, en donde se nos aparecen cuatro personajes, cuatro máscaras bien construidas, quizás muy básicos y tópicos en sus desarrollos, que en un espacio indeterminado, buscan, esperan, tienen ramalazos becketianos, nihilistas, pero que conforme transcurren los minutos parece ser una falla estructural, como si no tuvieran nada que decir, porque se trata de un ejercicio de estilo, de construcción de los personajes sin dotarles de ninguna otra proyección.
Menos dudas nos produce The Hobo Grunt Cycle, part 1 de los norteamericanos Lone Wolf Tribe, nos parece una idea que no se desarrolla, que se queda truncada en las formas, en un juego entre actores disfrazados de payasos y muñecos, un perro, y sin historias que atrapen.
Son dos grandes actrices, Georgette Fadel e Isabel Texeira, dirigidas por Cibele Forjaz, parten de un texto de Schiller, que convierten en Rainha(S) - Duas atrizes en busca de un coraçao, un auténtico duelo, una lucha en diferentes planos, como mujeres, como actrices, como personajes, como reinas. Y en esos planos vemos una deconstrucción que en ocasiones nos aviva el resuello y en otras nos deja un poco descolocados. Hay unos choques de lenguaje muy fuertes entre los planos y nos gusta, disfrutamos, aplaudimos y nos emocionamos cuando interpretan a las dos reinas, Elisabeth I o María Estuardo, a muerte. Disfrutamos del texto y de la interpretación. Un buenísimo trabajo de nivel muy alto, a tener muy en cuenta .
Alexandre Ribondi es el autor y director de Cru, de estética feísta y rememorando las periferias urbanas, la marginalidad, para contarnos una historia que transcurre en un tiempo escénico lento y que acota las reacciones de los personajes a unos efectos interpretativos que no se nos asemejaron orgánicos en la función presenciada.
Trabajo de la Escuela de Arte Dramático, dirigido por Hugo Rodas, uno de los grandes hombres de teatro en Brasilia, a partir de A Ópera de três vinténs de Bertolt Brecht, con orquesta reducida para interpretar en directo las músicas de Kurt Weil, con un equipo actoral cargado de energía bajo una dirección que resuelve los momentos colectivos con una búsqueda de gestualidad expresionista que en ocasiones se nos queda congelada, como si no se correspondiera objetivamente con las escenas de más cercanía y precisión actoral. Buenas vibraciones, para una propuesta coral, en una escenografía esquemática pero funcional.
Cumplen veintiún años de vida con un gran trabajo, Inveja dos Anjos presentado por Armazén Companhia de Teatro, con dramaturgia de Maurício Arruda Mendonça y Paulo de Moraes que también la dirige y que parte de un espacio escénico magnífico, unas vías de tren, un tramo de las cuales están en plano vertical por cuyas traviesas baja un personaje fantástico al inicio de la función creando, junto a las entradas y salidas de las vagonetas que atraviesan toda la visual del espectador, momentos de una fuerza visual y emotiva inconmensurable.
Junto a este espacio, un texto, en ocasiones demasiado literario, en otras como transmitiendo sensaciones de proximidad que parecen 
buscar otro tipo de intensidad y unas interpretaciones que se mueven en diferentes registros y modulaciones de calidad que crean agujeros en la misma dramaturgia escénica, que a la vez se mueve entre una aproximación al realismo mágico y el naturalismo más descarnado, provocando, por añadidura, un nuevo debate estético que necesita una solución técnica en clave interpretativa y que este montaje lo que nos proporciona es un buen número de preguntas sin que se nos den muchas respuestas. Por lo demás estamos ante un gran trabajo, ambicioso, magnificente, de alta calidad que merecería ser visto en escenarios europeos.
Otro debate sobre la interpretación es el que plantea Daniel Veronese en La noche canta sus canciones, su adaptación de mínimos de la obra del autor noruego Jon Fosse en el que nos encontramos con interpretaciones tan naturalistas que se confunden con no-actuaciones. En momentos apretando en la sobreactuación de algunos personajes que se instalan en el grotesco, para enfrentarse con la infra-actuación, es decir, en un estar de los actores esperando la llegada de un personaje. Veronese plantea siempre angustiosas preguntas metateatrales, y debido a un ejercicio casi dogmático de economía de medios, la simpleza de los espacios escénicos, la utilización de la iluminación como un simple alumbramiento, deja a los intérpretes despojados de otros soportes que sus personajes, su materialización, pero entregados a una actuación tan natural, tanto, que se sitúa en el borde, justo, en el docudrama o la lectura memorizada y dramatizada. Con estos elementos tan vaciados de contingencias, consigue unas tensiones que apuntan posibilidades de engancharse al misterio de lo contado, que siendo una tragedia se nos presenta casi como un folletón. Un peligroso ejercicio de desmontaje.
Con texto y dirección de Omar Varela la uruguaya Nidia Telles ofreció El país de las maravillas, un texto emotivo, aparentemente muy sencillo en su estructura dramática, con unos personajes muy reconocibles, especialmente por la claridad interpretativa que los hacen tan próximos como casi familiares y que en una situación jocosa van desgranándose cuestiones de bastante más enjundia como son todos los problemas de emigración, las relaciones cortadas a ciertas edades y las ganas de vivir: la esperanza. Magnífica Nidia Telles como siempre. Una lección constante de actuación de gran escuela, consistente, natural, sin afectaciones, profunda a la vez que asequible.
Los habíamos visto ya en su propia carpa, ahora los hemos visto en un teatro, a la griega, casi circular, es decir, con mejor perspectiva y visualidad, con un dispositivo técnico de iluminación que ayuda a resaltar la inmensa calidad del cuarteto de artistas del Cirque Aïtal y su espléndida La piste là, trabajo que amamos por su excelencia.
Nos quedaron muchos espectáculos por ver, pero dejemos constancia de los seminarios, debates, talleres, conferencias, actividades musicales y conciertos abiertos al gran público que confieren a este evento una entidad que va mucho más allá de su siempre rica e interesante programación. Cena Contemporânea de Brasilia es uno de los festivales más coherentes que debe mirar al futuro con muchas esperanzas. Ha logrado hacerse necesario para la profesión y sugerente para los públicos.
C. G. Z.
