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V Festival Internacional de las Artes de Castilla y León
Una ciudad que exuda arte por todos sus poros
Desde el día 29 de mayo y hasta el 13 de junio Salamanca acoge en sus diversos espacios escénicos, culturales y urbanos la quinta edición del Festival Internacional de las Artes de Castilla y León que, atento a la actualidad más viva, volverá no sólo a reunir en los teatros de la ciudad una docena de espectáculos de artistas de relevancia internacional –Chunky Move, Calixto Bieito, Win Vandekeybus, Jan Fabre...– , sino que también dará a conocer nuevas tendencias, organizará encuentros artísticos en torno a los lenguajes urbanos, y acogerá en sus calles las propuestas más participativas para que el público sea el protagonista de este macroevento. El Festival en los Barrios, las Conchas Silenciosas o los novedosos programas Encuentros en la Noche y El Festival en la Cueva son algunas de las propuestas que inundarán la ciudad.
 Durante quince días, la capital salmantina volverá a convertirse en lugar de referencia para conocer las últimas propuestas dentro del panorama internacional de las artes escénicas gracias a la celebración de FIACyL, actividad organizada por la Fundación Siglo para las Artes de Castilla y León. El teatro, la danza, los espectáculos de calle, la música, las performances y un gran número de actividades paralelas tendrán cabida en un certamen que cada año permite conocer el trabajo de los artistas más sugerentes, que tiene como uno de sus principales núcleos una programación de sala que comienza, tal y como avanzábamos en el número anterior de la revista ARTEZ, con la representación los días 29 y 30 de mayo de Continuous city de la compañía estadounidense The Builders Association y la directora Marianne Weems –una obra que integra paisajes virtuales y reales– y también de X(ics) Racconti crudeli della giovinezza, de la compañía italiana Motus, un acercamiento a la realidad de los adolescentes de hoy en día. Ya en junio, los días primero y segundo, la compañía Troubelyn y el director Jan Fabre abrirán las puertas del Teatro Liceo para que el público disfrute de su Orgía de la Tolerancia, una propuesta que definen como un bosquejo en muchas capas de nuestra sociedad estratificada, una referencia absurda al mundo del exceso, un pinchazo en el aplastante globo de la normalidad, una conspiración surrealista en contra de un mundo desvergonzado. El espectador asistirá de este modo a una caricatura, una sátira de este joven siglo, al estilo de los Monty Python –produciendo al mismo tiempo dolor y cosquillas– donde intérpretes, músicos y bailarines hacen partícipes de este exceso de tolerancia, que como explicaba con motivo del estreno de esta pieza el pasado mes de enero en el festival chileno Santiago a Mil, para el que es Embajador Cultural de la Unesco “es ser abierto, es estar del lado humanista de la vida, es tener empatía por las otras maneras de pensar, por los otros colores, por las otras formas de ser, ser tolerante con los animales porque ellos tienen la mejor filosofía del mundo y son también los mejores doctores. La tolerancia es un proceso de observación, aprendizaje, mirar y dialogar, eso es la tolerancia para mí”.
El orden mundial
El día 3, la compañía Superamas presentará Empire (Art & Politics), una reconstrucción parcialmente ficticia de la guerra entre Napoleón y el Archiduque Carlos que tuvo lugar en Viena en 1809 y concretamente la batalla de Aspern-Essling, un doble ataque de cuya victoria se atribuyen, respectivamente los dos bandos, austriacos y franceses. Y lo cierto es que allí murieron más de veinte mil personas de cada bando. A partir de ahí, esta compañía que coincidentemente tiene sus sedes en París y Viena, ha construido Empire (Arts & Politics) armada de un lenguaje multidisciplinar que mezcla elementos cinematográficos, coreográficos, dramáticos y plásticos, para realizar un análisis del orden mundial actual y la política internacional, asumiendo la imposibilidad de representar algunos aspectos del mundo real.
 El testigo lo recogerá Federico León, con la presentación el día 4 de su última propuesta escénica, en la que casan los dos ámbitos en los que se mueve este joven e internacionalmente reconocido creador, el teatro y cine. Yo en el futuro es un encuentro intergeneracional concebido como si fuera una máquina del tiempo, donde confluyen pasado, presente y futuro con la excusa de unos vídeos experimentales grabados en la década de los cincuenta por jóvenes para un público en el futuro. Ahora, cincuenta años después, y con esas imágenes como base, se presenta un trabajo escénico protagonizado por tres tríos, formado por los citados ‘jóvenes’, que actualmente rondan los 75 años, tres personas en treintena y otros tantos niños que rondan los diez. Así, se ofrece una reflexión sobre el paso del tiempo, en una puesta en escena que sucede en un cine de los de mediados del siglo pasado, donde la pantalla compartía espacio con un pequeño escenario donde, antes de la emisión de la película, tenían lugar breves representaciones en vivo.
La jornada siguiente permitirá asistir al trabajo más novedoso del belga Wim Vandekeybus y su compañía Última vez, niewZuart (nuevo negro), en la que el creador se ha rodeado de colaboradores como el músico Mauro Pawlowski y el escritor Peter Verhelst, cuyos textos son interpretados en escena por Kylie Walter o Gavin Webber de forma alternativa, por lo que el espectador podrá asistir a una versión femenina o masculina del espectáculo, con siete bailarines intrigados por la idea de cambio y evolución a través de la destrucción y el rechazo. Junto a los músicos y los intérpretes, Vandekeybus explora diversos temas desde el punto de partida de esta nueva obra, tales como el cuerpo en su tiempo, la eternidad del alma y las peligrosas pasiones humanas. Los cambios acelerados de un cuerpo en su entorno, los irrevocables e inevitables instintos de la naturaleza, o cómo los seres humanos (no) dan sentido a su existencia hoy en día son algunas de las cuestiones que se abordan en la obra.
Optimismo crítico
También desde Bélgica, el domingo 7 de junio –el día 6 será la jornada en la que Calixto Bieito realizará su ensayo abierto de Don Carlos– se podrá presenciar la producción realizada por Campo para celebrar la capitalidad cultural europea de Linz, An anthology of optimism. Se trata del encuentro creativo entre Jacob Wren y Pieter de Buysser con centenares de artistas, pensadores, políticos, empresarios y científicos de diferentes campos, a los que enviaron una carta que comenzaba diciendo “una Antología del Optimismo es una celebración anticipada de un optimismo crítico que esperamos se desarrolle en el s. xxi. Si ya existe, hasta el momento este optimismo crítico se ha mantenido más bien latente. Sin embargo, con nuestra antología esperamos fomentar su desarrollo y aceptación en el futuro”, y solicitaban una respuesta al planteamiento de qué podría significar el optimismo en el s. xxi. Esta propuesta podía ser de cualquier tipo: una foto, una pieza musical, un objeto, un pequeño texto, un dibujo, una pintura, una película, un vídeo... Con este punto de partida, dirigido y al mismo tiempo arbitrario, han elaborado una puesta en escena en la que ambos artistas se presentan acompañados de las contribuciones recibidas como marco de sus propias reflexiones en torno al tema.
 La jornada siguiente será el turno de la italiana Muta Imago, una joven formación radicada en Roma que ha llevado a escena la historia del soldado Lev Zasetsky, quien a mediados del siglo xx y tras haber sido herido en la cabeza por una bala fue paciente del neurosiquiatra ruso Alexander Lurja al haber perdido toda capacidad de recordar. La lectura de su diario provocó a los integrantes de Muta Imago una sensación de vértigo, “al hablar de nosotros y cómo nos sentimos”. Lev es la representación de las reflexiones de un hombre despojado de recuerdos, de pasado y de identidad, una obra que parte del silencio pero que se encuentra repleta de historias, que tal y como explica el dramaturgo Ricardo Fazzi “se asemeja a una pérdida, pero que es una lucha, una búsqueda, una aventura: un viaje de regreso al hogar”.
El día 9, la compañía de danza de Emio Greco y Pieter C. Scholten presentará [purgatorio] Popopera, una nueva inmersión de los creadores holandeses en la ‘Divina Comedia’ de Dante que comenzó con ‘Hell’ y que ahora tiene su continuidad con el díptico formado por ésta e ‘In Visione’. En ella, han contado con la colaboración del compositor y miembro de la banda neoyorkina Bang on a Can, quien aporta su visión a la habitual exploración que Emio Greco|pc realiza sobre la relación existente entre la danza y la música, haciendo uso de los elementos estructurales del rock. De este modo, los siete bailarines de esta pieza se presentan en escena armados de guitarras eléctricas, transformándose ellos en instrumentos, y éstos en frágil carne humana. Encadenados por cuerdas musicales, los bailarines buscan purificarse en una rapsodia redentora.
 El miércoles, 10 de junio, es la fecha en que Fabularia Teatro estrenará El Triciclo de Arrabal –ver destacado–, a la que seguirá un trabajo multimedia que llega desde Australia, de la mano de Chunky Move. Su propuesta, programada para los días 11 y 12, es una celebrada propuesta titulada Mortal engine que mezcla danza, vídeo, música y láser en la que su coreógrafo y director, Gideon Orbanazek, ha fijado su atención en las relaciones, conexiones y desconexiones, soledades y compañías, en un estado de flujo continuo: “Conflictos entre el yo y el sombrío otro –el otro dentro del otro y dentro del otro–. Los duetos son vistos como parejas y al mismo tiempo como entes singulares luchando para escapar de la oscuridad más profunda –la mortalidad, la sexualidad, el deseo–”. Se trata de una pieza donde la tecnología y la ingeniería informática se ponen a favor del intérprete, gracias a la utilización de cámaras infrarrojas que hacen posible que el cuerpo se metamorfosee en imágenes, luz y sonido, una unión que también es la base del trabajo que cierra la programación de sala, el estreno de Super Gravity-Zero Gravity que han realizado Alicia Soto-Hojarasca y Post Theater –ver destacado–.
Encuentros artísticos
La programación de calle es una de las secciones que más variaciones trae respecto a ediciones anteriores, con la supresión de los espectáculos de gran formato y la canalización de recursos y energías hacia propuestas participativas, y es que una de las novedades más destacadas de esta edición es la creación de la nueva sección ‘Encuentros en la noche’, que tiene como origen la vinculación del Festival con los diferentes colectivos asociativos de la ciudad, con cuya colaboración se llevarán a cabo diversas acciones artísticas multitudinarias, al efecto de establecer un punto de encuentro entre las pasiones y el hecho artístico. Esta serie de acciones están producidas por Barranco Producciones y cuentan con la coordinación artística del director de la compañía Generik Vapeur, Pierre Berthelot. La primera, el mismo día de la inauguración, 29 de mayo, lleva por título El viaje inmóvil y consiste en una propuesta participativa en la que se botarán en las aguas del Tormes cinco mil barcos de cartón cuyo mástil será una vela prendida, creando entre todos una instalación visual a la que acompañarán las melodías de las campanas de Llorenç Barber, la percusión de Los Tambores de Teruel, que participan en este evento junto a los estudiantes del Conservatorio de Vigo y la compañía La Salamandra. El segundo Encuentro en la Noche, el 6 de junio, será una fiesta de música y teatro de calle que inundará a todo el que se acerque a la Rúa Mayor del color del festival, de rosa, con la colaboración de las compañías La Rumeur, La Fanfarre Elèctrique y Lola Muance.
 A ésta le seguirá La Noche del Chess Boxing, el día 11 de junio, una nueva cita en la que participarán las compañías Tango Sumo y Generik Vapeur y que consistirá en una partida especial, nocturna, envuelta por música clásica en la que centenares de tableros invitan a los aficionados a comunicar en este juego “real”, tras lo cual se realizará la primera demostración en España de “chess-boxing”, nueva modalidad deportiva que une ajedrez y boxeo. La cuarta y última, en la Plaza Mayor, supondrá el encuentro entre actores y músicos de formaciones como Les Quidams, Les Vernisseurs y Addictive TV, con científicos, con decenas de astrónomos que ofrecerán su lectura del cielo del festival.
Lo que sí se mantiene es la importante presencia de espectáculos de teatro, danza y música en las calles y plazas de la ciudad, algunos de ellos programados en colaboración con el Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid, traídos de forma compartida, como es el caso de la adaptación que los ukranianos Lviv Theatre Voskressinia ha realizado de El jardín de los cerezos de Chéjov, así como el Augustes de Petit Théâtre Baraque, una nueva invitación a asomarnos a su pequeña barraca de feria donde cobra vida un mundo poético manipulado por Branlo y Nigloo, o Monsieur Cubulto de Dynamogéne, un trabajo interactivo en el que el público puede jugar con esta suerte de escultura-viviente en constante balanceo, un espectáculo que forma parte de la larga nómina de trabajos itinerantes y participativos. A bordo de su ‘velolabo’, una bicicleta equipada, Manuel, el lavador de manos de la compañía Les Veilleurs, lavará manos, hará magia y traerá historias de otro tiempo. También sobre dos ruedas, sobre un tándem en esta ocasión, llegan Rulo y Manuela, los personajes de P’tit Bal Portatif de Casquette, dispuestos a poner a danzar al mundo que les rodea. En avión llega Le P’tit Leo y su familia, quienes habrán de contar con la ayuda del público para montar la ‘pista de aterrizaje’ para el nuevo juguete del pequeño Leo, mientras que el barco lo pone la compañía Les Polyvalents, que embarcarán a parte del público en su Typhon para navegar con ellos a través de una peligrosa tormenta.
Tout Samba’l soltará a los tres protagonistas de Exilod, un trabajo inspirado en el jazz, mezcla de improvisaciones colectivas y solos, mientras se acercan al corazón de lo cotidiano, y L’Excuse enfrentará a los espectadores al espejo deformante del siglo xxi en Homo catodicus, protagonizado por un Quijote moderno que se lanza a la búsqueda de su Dulcinea. Y si unos sustituyen su rostro por imágenes digitales, otros dibujan éstas con sus caras, como ocurre en la Slot Machine del Trío Lalala, una tragaperras de carne y hueso con la que el ‘jugador’ puede ganar diversión.
El teatro gestual será el lenguaje en el que se moverán diversas propuestas, como la de la compañía Art Ose que presenta V3 (Vecube), el encuentro entre dos personajes que comparten espacio en el interior de un cercado; o el que protagonizan los personajes creados por la compañía Extra Muros para su Tryptyque Chanter, que reúne a un hombre y una mujer en un entorno laboral; o los Silences amusants de los japoneses, Sivouplait, una pareja que realiza con sus cuerpos caricaturas de escenas cotidianas.
Por supuesto, habrá lugar para los espectáculos musicales, como el que presentan Space Jahourt, que llevarán sus ritmos definidos como ‘alegre canción francesa post apocalíptica’, una mezcla entre el descaro de los Toy Dolls, la teatralidad de Les VRP aderezado con toques kitsch del que aseguran ser su mayor inspirador, Claude François. También desde Francia y de la mano de Les Essentiels los espectadores podrán participar en una propuesta musicoteatral, Le Juke Box Vivance, una máquina que detecta estados de ánimo y representa la canción correspondiente a los mismos. Asimismo, el público podrá volver a disfrutar de la música de Francesco Agnello y los sonidos que obtiene de su ‘hang’, que ya se pudieron oír en la pasada edición integrados en la propuesta de Peter Brook, así como los diferentes estilos musicales que interpretan al piano los integrantes de La Rumeur.
 Tampoco hay que olvidar la oferta dancística, con representantes como Ex Nihilo y su Calle Obrapia #4 en la que demuestran su particular forma de descubrir el espacio común, donde tres mujeres y dos hombres se valen de cada recoveco para expresar su identidad y los estados emocionales por los que van pasando. La compañía del coreógrafo Bernard Menaut, por su parte, se instalará en los lugares más insospechados con sus Aventures Extra-choreographiques, que reúnen danza, música e improvisación, mientras que Sara Martinet instalará en varios lugares de Salamanca su bañera para, dentro, bailar sus acrobacias imposibles salpicadas de humor y poesía.
La Cueva de Salamanca
Muchas de las actividades de calle mencionadas –de las que se prevén varias funciones y en diferentes espacios de la ciudad– visitarán la nueva sección del programa El Festival en la Cueva, que llevará a un entorno mítico como es la antigua Iglesia de San Cebrián una serie de propuestas de diferentes estilos: musicales –Francesco Agnello, Space Jahourt, Dead Capo, Remate–, teatro familiar –la PAI con sus Cuentos colorados y Scene de Vie con Le P’tit Leo–, performances –Post Theater con Express Fight Club y Colaboratorio LPCI con Surroundings–, cuentacuentos –Eugenia Manzanera y Rubén Martínez Santana–, videocreación –Píxel Over, Orontes Project– o un ciclo de cine sobre Alejandro Jodorowsky. Durante tres noches, el Festival proyectará tres de sus filmes: 'La Montaña Sagrada', película “escándalo” del Festival de Cannes de 1973; 'El Topo' (1970), largometraje de culto y punto de referencia del fenómeno Midnight Movie de la contra cultura americana de los setenta; y su ópera prima, basada en la novela homónima de Fernando Arrabal, 'Fando y Lis' (1968).
Otra de las secciones importantes del festival es la relativa a la música, protagonista de espacios programáticos con el de la Plaza Mayor, donde tendrán lugar un total de cuatro conciertos. Tras la inauguración del escenario, el 30 de mayo con Cycle y la presentación de su nuevo álbum –’Sleepwalkers’– que viene a sumarse a los ritmos electrónicos próximos al rock que catapultaron a esta banda hace casi cuatro años con ‘Weak on the rocks’, el jueves 4 de junio recogerán el testigo Catpeople, también con la novedad de su ‘What’s the time Mr. Wolf?’ trabajo creado para la emoción, y posteriormente The Sunday Drivers que llegan a Salamanca para hacer magia con sus grandes éxitos y para presentarnos algunos de los temas que compondrán su nuevo proyecto. La guinda la pondrá, el día 12 y para quitarse la espina de la obligada suspensión hace dos ediciones, Macaco, que ahora podrá presentar los nuevos temas de ‘Puerto Presente’. Además, en varios espacios de la ciudad se llevará a cabo el programa Red Café Música, con las actuaciones de Aaron Thomas, Dead Capo, Space Jahourt, Zoo, Jazzeria, Remate y Adanowski.
En lo que a la música electrónica se refiere, el Festival traslada su epicentro de la Casa de las Conchas a la Sala el Cvm Laude con el fin de realizar una programación cargada de directos en la que se podrán encontrar una oferta ecléctica y heterogénea que abarca estilos como el hip hop, soul, house, dubstep, techno, skweee, jazz, funky, punk… de última generación. Allí se presentarán, entre otros, Joakim & The Discos, DJ Feadz, Kap Bambino, Dälek, Diploide, Chema Rey & Jesús Ordovás, DJ UVE, Skream, Turtle Power Crew o The Glimmers, teloneados por artistas castellano y leoneses y acompañados por los VJ’s Pixel Over, Overlapper, Moira Network y Tweteers, y que darán paso a las noches After Sonic Cubic Club, con sesiones a cargo de Watch TV, Selektah Xibata, Casbah73, DJ Amable y Atjazz, entre otros.
El traslado de espacio de la música electrónica ha empujado a los organizadores a buscar nuevos contenidos para un lugar tan emblemático como la Casa de las Conchas, que ha pasado a denominarse Conchas silenciosas, donde habrá acciones de creación literaria, sonoimagen, cine de reflexión, monólogos teatrales, polipoesía... Además, en diversos espacios de la ciudad se podrán ver exposiciones, las intervenciones artísticas que realizará el Grupo SPS sobre los espacios urbanos, así como las jornadas y mesas redondas completan un extenso programa cargado de todo tipo de opciones.
Calixto Bieito, Artista invitado
 La novedad más destacada dentro de la programación teatral de esta edición consiste en la creación de una nueva figura, la del Artista Invitado, que en esta primera experiencia será un creador muy próximo al festival, Calixto Bieito, y no sólo porque sus trabajos con la compañía del Teatre Romea han sido presentados hasta en tres ocasiones en los cinco años de andadura, sino también recordando el lugar de origen de un, como él dice, “ciudadano europeo que un día se acuesta en Berlín y se despierta en Basilea o en Oslo, mis raíces siguen estando claras y cada vez que piso tierra castellano y leonesa regreso de alguna forma a mis primeros recuerdos”. No en vano, pasó su niñez en Miranda de Ebro antes de trasladarse con su familia a Barcelona, donde comenzó una carrera meteórica que le ha llevado a impartir cursos internacionales de dirección e interpretación con la dirección de escena de ópera, teatro y zarzuela en los escenarios más prestigiosos del mundo. Y como decía aquel, uno es uno y sus circunstancias, Bieito acudirá a Salamanca con las que actualmente le rodean, que es la producción del Don Carlos de Friedrich von Schiller, de la que ofrecerá, el sábado 6 de junio en el Teatro Liceo y como primicia, un ensayo abierto al público del montaje que se estrena dos semanas después en Alemania abriendo las ‘Jornadas Schiller’ que organiza el Teatro Nacional de Mannheim. Así, y tal y como sostiene el creador, los espectadores podrán “vivir en directo conmigo y la Compañía Teatre Romea una de las fases de la creación de un espectáculo que más nos apasionan a los que nos dedicamos a esto”.
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Estrenos en Castilla y León
 ?Dos compañías de Castilla y León contarán con un destacado protagonismo en esta quinta edición del Festival Internacional de las Artes al estrenar sus últimos proyectos. De una parte, Fabularia Teatro se encargará de poner la guinda a una serie de actividades en torno a la figura de Fernando Arrabal, que iniciaron el 14 de febrero con la peregrinación del escritor al Cementerio de Arte de Morille y la realización de la performance ‘A Tocateja’ y que culminarán con el homenaje y el estreno de El triciclo el día 10 de junio en el Teatro Caja Duero. Bajo la dirección de Fran Fernández se ha gestado este proyecto que verá la luz en un año significativo al tratar la obra del capitalismo y su función canibal, según el director. “Es una reflexión sobre a dónde vamos en un sistema autodestructivo. En ella aparece esa relación del ser humano con el tener más que con el ser. La obra cuenta con unos personajes que se ven atrapados porque tienen que pagar un alquiler, esto es lo que hace que se vean tan vinculados con la situación actual”. Sin embargo, la renta a la que están atados Apal, Climando y Mita, los protagonistas de la obra no es otra que la de aquello que les permite obtener el sustento, el propio triciclo, su medio de producción, su vehículo para la supervivencia y cuyo plazo vence inminentemente. Deben obtener los billetes para poder seguir gestionándolo, para seguir sobreviviendo. De modo que asaltan y matan a un individuo, el hombre de los billetes. Pero serán apresados y probablemente, condenados a muerte.
 Fabularia ha acometido este montaje en un momento en el que, como dicen, “tan sólo mirando a nuestro alrededor, en cualquier calle, en apenas unos segundos, tan sólo leyendo la prensa en cualquiera de sus apartados, tan sólo escuchando las noticias treinta minutos en un día , tan sólo observando con detalle la vida que nos rodea, nos dimos cuenta que la marginalidad y la crueldad están ahí, a nuestro lado, y que la ciencia postrada a nuestros pies no ha podido evitar el desajuste y desequilibrio entre unos pueblos y otros, en definitiva entre unos seres y otros; y así caminamos impávidos con el fracaso común en nuestras manos, asistimos casi sin inmutarnos a la desaparición de otros por puro hambre, y en el día a día casi todos vivimos arrendados a un contrato o letra que vence cada mes, y bajo la amenaza de un sistema que no dudará en marginarnos en caso de no cumplirlo, sin querer preguntarnos ¿cómo llegó ése ser que duerme en el cajero de enfrente, porque tiene la luz más tenue, a esa situación?”. Y lo hace con un lenguaje contemporáneo, con la participación de dos artistas que le darán a la obra un aire urbano: el grafitero Suso33 –encargado de la escenografía– y el MC Korazón Krudo –encargado del aspecto musical–, participando ambos en la representación como dos personajes más, integrados en el engranaje de la obra de Arrabal. Estas intervenciones, sumadas a los personajes a los que dan vida Raúl Gómez, Juan Caballero y Lourdes Martínez, responden a una inquietud por intentar crear una propuesta multidisciplinal, ya que según el director “es más interesante aportar algo más que una función de teatro y esto debería ser igual para otras expresiones, como por ejemplo para la música, que podría ampliar su oferta incluyendo la expresión dramática en sus conciertos”. Otro elemento fundamental es la iluminación, que en esta ocasión tendrá un papel estático pero también activo, convirtiéndose incluso en otro personaje que el público será capaz de sentir.
La segunda obra que se estrena, y al igual que la anterior en coproducción con la Fundación Siglo para las Artes de la Junta de Castilla y León, será asimismo, la encargada de clausurar la programación de sala el día 13 de junio en el Teatro Liceo, donde se podrá ver Super Gravity-Zero Gravity, un nuevo trabajo conjunto entre Alicia Soto-Hojarasca y la formación Post Theater, fruto de una primera colaboración que ya pudo verse en la pasada edición de FIACyL, ‘SkinSITEs’. Y si en aquella ocasión se trataba de una pieza que partía de un concepto pre-existente, puesto que se trata de la décimo primera intervención dentro de una serie ideada por Post Theater, en esta ocasión se trata de un espectáculo realizado de forma conjunta de principio a fin, desde la idea inicial hasta la concepción del dispositivo escenográfico. Alicia Soto explica que todo ello responde al buen entendimiento que ha alcanzado con Hiroko Tanahashi y Max Schumacher, ya que se trata de un lenguaje multimedia en el que ambas disciplinas –danza y audiovisuales– casan: “Aquí hay una intervención total, donde el vídeo permite ver al bailarín desde diferentes ángulos, además de intervenir en el movimiento con la proyección de imágenes prediseñadas... es decir, la coreografía y el vídeo están creados al unísono, juntas Hiroko y yo. Y es sorprendente el grado de entendimiento al que hemos llegado, puesto que en la trayectoria de ambas siempre ha habido esa mezcla de vídeo y movimiento. Hay un lenguaje común”.
Así, han desarrollado un espectáculo a partir de la idea inicial que se condensa en su propio título, Super Gravity-Zero Gravity, en torno a la ley física que es al mismo tiempo la base de nuestro sentido de la orientación, así como lo que nos ata al suelo. Es por ello que uno de los aspectos principales a trabajar ha consistido en el diseño de un espacio escénico que les permitiese trabajar sobre la idea de “flotar”, que ha dado como resultado una estructura a media altura para poder instalar cámaras en posición cenital y contracenital, que toman imágenes de los bailarines desde arriba y abajo, y en este último caso, gracias a un suelo transparente y elástico, “que nos permita, saltar, botar, que se hunda y que nos aguante. Todo ello nos permite trabajar sobre los conceptos de arriba y abajo, de la supergravedad –el peso– y la gravedad cero –la flotabilidad–”.
En lo que a la concepción dramática se refiere, han trabajado sobre ideas recogidas en los libros ‘La mujer de la arena’ de Kobo Abe y ‘La insoportable levedad del ser’, así como sobre los conceptos de conexión y desconexión de la realidad: “Es el transcurso de Super Gravity –sociedad, oprimida, jerarquizada, trabajo– a Zero Gravity –necesidad de desconectarse usando la imaginación–, todo ello unido a la idea del tiempo, representado por la arena”, explica Soto.
Con todo ello, la intención de los creadores de este espectáculo es que tanto los intérpretes –Maya Lipsker, Alicia Soto, Alberto Velasco y Mikel Aristegui– pierdan la orientación y el sentido de la realidad: los intérpretes ‘reales’ interactúan con performers virtuales y el movimiento en vivo se encuentra con el vídeo-arte en el interior de la “Caja de Gravedad”.
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Más barrios, más calles
 ?Un año más y en colaboración con la Asociación Civitas, el Festival contará con una extensión por los diferentes barrios de la ciudad para, como sostienen los organizadores, crear un puente simbólico entre el  centro de la ciudad y los barrios para que exista durante los días del festival un espacio único, sin distinción geográfica: Salamanca. Este año se podrá ver dentro de este programa eminentemente callejero la presentación de un trabajo de sala, El Capote, a cargo de la compañía chilena Teatro Milagros, quienes dan vida al texto de Nikolai Gógol en un teatrito a escala en el que actúan tres muñecos de madera, cinco títeres y los cuatro actores que los manipulan. Junto con estos, integran El Festival en los Barrios propuestas como Business Class de Nacho Vilar, Al fin y al cabo de Teatro Rufus, Superplast de Hortzmuga, Piaton de Abubukaka, Renato de Ganso & Cia, Collage de Botproject, Ellas bailan solas de Pikor, Drago de La Baldufa, Merci Bien de Mumusic, Homo Catodicus de L’Excuse, o las escuelas de circo de compañías como Azulkillas o Circ Menut, entre otros, además de propuestas musicales como las de Frank T o La Familia Iskariote.
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| ?Una de las novedades del pasado año en FIACyL consistió en la celebración del I Campeonato Beatbox Battle España, una competición de esta corriente del hip hop que consiste en producir música, emulando los sonidos de una caja de ritmos, únicamente con la voz. Los beatboxers pudieron demostrar sus habilidades en aquella ocasión, en la que resultó vencedor MarcoOz, quien como consecuencia este mismo mes de mayo participará en la competición mundial Beatboxing World Championship, a celebrarse entre los días 28 de mayo y 1 de junio. Debido al éxito cosechado, este año ya se ha puesto en marcha la segunda edición del Campeonato Beatbox Battle España, y, paralelamente, se ha creado el I Campeonato Beatbox Battle Iberoamérica, ambos los días 5 y 6 de junio. Además, los días 6 y 7 tendrá lugar el programa de Arte Urbano que transforma la Plaza de Anaya en un lugar exclusivo cargado de actividades vinculadas al arte urbano creando un ambiente de conexión e interactividad entre los salmantinos y la creación artística gráfica, streetdance, break, malabares, parkour, beatbox, la música reggae, funk, soul, hip hop… |
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