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MADferia-09?
Variedad de formatos, estilos y temas en la MADferia
Manuel Sesma Sanz
 Con espíritu renovador, Mariano de Paco Serrano ha asumido la dirección de MADferia, que en esta 5ª edición se ha significado por la variedad en los formatos, en los estilos y en los temas de las propuestas escénicas. Dentro del gran formato hay que destacar los espectáculos que han tenido lugar en el Teatro Valle Inclán y que, aparte de su cuidada estética y perfección técnica, han mostrado una clara vocación política y social.
Bajo la dirección de Joâo García Miguel, la compañía que lleva su nombre junto a la Fundación Centro Cultural de Belem de Lisboa ha presentado una versión dramáticamente intensa de As Criadas de Jean Genet. El conocido texto, en esta ocasión, se ha visto reducido a dos el número de criadas para subrayar el sentido de oposición, pasión, ternura y colaboración entre los dos personajes. Los juegos de representación para enfrentarse a la Señora adquieren una dimensión más acusada de odio y violencia que contrastan con las indecisiones y la sumisión cuando están delante de ella. Los actores Anton Skrzypiciel y Miguel Borges dan vida a Solange y Clarence en un generoso derroche de energía que mantiene en pie la pieza con sobrecogedora fuerza. Los personajes se expresan en portugués, en inglés y a veces en francés –con subtítulos en castellano– plasmando un sentido de universalismo al que tiende este director.
La propuesta escénica del portugués resulta sencilla pero potente. La escena está acotada por cortinas planas de color rojo que hablan no solo de las pasiones y la lucha por el poder sino de un grandioso palacio donde se desarrolla la acción. Dos planos blancos, esquinados al fondo y a la izquierda evocan el sentido de encerramiento, al tiempo que sirven de pantalla donde se proyectan imágenes sosegadamente dinámicas de trazo infantil; son figuras y palabras que muestran la atmósfera dramática de cada escena. En fin, el juego con los 21 grandes barreños de plástico blanco aporta espectacularidad, dinamismo y cierto sentido poético de contexto político y trajín laboral. En As Criadas, según la versión de Joâo García Miguel, se puede hablar de un gran espectáculo abocado al éxito.
Arrieritos Danza ha presentado un bello espectáculo en lo estético y un trabajo casi perfecto en la ejecución con vocación política: Europa (el rapto). En el escenario desnudo, acotado por una expresiva iluminación, un conjunto de vallas metálicas móviles trazan las geografías de la cultura occidental. Perdida en la mitología, nace Europa que es raptada por Zeus en forma de toro blanco. Desde la oscuridad surge una música enigmática que cede el protagonismo a la guitarra flamenca con canto en inglés. La sensualidad femenina se recrea en le Olimpo. Una impresionante danza flamenca con tinte marcial da paso al seductor tango del rapto con lo que el espectador ya ha podido tomar una buena dosis de belleza formal.
No obstante, sin abandonar la exquisitez, el espectáculo gira hacia un discurso político. “¿Es Europa una fiesta privada a la que no todos tienen acceso?”, se pregunta en el programa de mano. Las vallas dividen a las personas que, tras cruzar clandestinamente movidas por la voz sofronizadora del bienestar, quedan presas. En apenas cuatro metros cuadrados las tres bailarinas y los tres bailarines realizan una asombrosa danza de esperanza y desesperanza, de lucha e impotencia, de fuerza interior. Hay un canto a la libertad en la escena de las mariposas para concluir con una Europa unida aunque fragmentada y con una serie de “Si yo fuera de…” en bocas infantiles que llegan al alma. Arrieritos ha sabido afrontar con admirable sentido artístico cierto compromiso político por medio de unas hermosas coreografías acompañadas por una soberbia banda sonora interpretada en vivo.
Reflexión social
La crítica o reflexión social ha cabido tanto en espectáculos de gran como de mediano formato, tanto en espectáculos llamados comerciales como en los alternativos. En Madrid, laberinto XXI de Darío Focal y Peri Saizprez, la compañía Metatarso Producciones plantea un teatro documento que se acerca a la performance. Sobre un escenario casi desnudo, unas lámparas de farolas urbanas en el suelo dibujan una ciudad oscura por donde transita una fauna humana anónima y a veces marginal. Objetos diversos, armario/arquitectura, luminosos/inyectables, cervezas, herramientas, una pantalla donde se proyectan imágenes y frases sugerentes, complementan una escena ordenadamente caótica.
Con el escepticismo, la resignación y la frialdad de una confesión, cada personaje delata sus sueños, sus ansias, sus inquietudes y penalidades. Cada personaje escupe su baba batida con el abandono materno, con la soledad, con el anonimato, la incertidumbre y la pobreza, con la saudade, con el miedo, con la necesidad de amar. El espectáculo se apoya en la palabra serena, incrédula y amarga. Solo un par de acciones encojen físicamente al espectador. El resto es coraje, abrir el corazón, terapia, emociones y reflexión en un trabajo pulcro y honesto que desprende sinceridad.
En la sala AB Studio, un espacio alternativo de unos 30 metros cuadrados con acceso directo desde la calle, la compañía The Process a Theatre Company desarrolló el espectáculo Fool for love de Sam Shepard. La pieza muestra la historia de un amor imposible entre dos jóvenes. Violencia, celos, amor, posesión, más violencia se manifiestan en una puesta en escena cruda y sorprendente. Solo unos pocos espectadores apiñados tienen acceso a la sala que evoca la habitación de un motel donde se encuentran, discuten, aman y odian los protagonistas. El público asiste a un teatro doméstico en el que se siente atrapado físicamente y testigo incómodo de la impetuosidad dramática de los jóvenes. El montaje, que utiliza filmaciones en vivo tanto del interior como del exterior de la sala, cuenta con tres actores y una actriz magníficos, entregados hasta la saciedad.
Aún dentro de cierta reflexión social, se pudieron presenciar otros tres espectáculos, pero con un estilo más convencional. La compañía Teatro El Zurdo puso en escena La ruleta rusa de Enric Benavent. El montaje presenta a una compañía de faranduleros que se disponen a representar diversos relatos de Antón Chejov. La puesta en escena, ágil, llena de frescura y de sano humor, juega con el meta teatro para transmitir no solo las peripecias y debilidades del mundo de la farándula sino para hacer un repaso a ciertas injusticias, hipocresías, abuso de poder, petulancia, vanagloria y banalidad de la clase burguesa. El espectáculo critica algunos comportamientos sociales con un lenguaje dinámico, directo y lleno de comicidad.
En No puede ser el guardar una mujer de Agustín Moreto, la compañía Apata Teatro & Nacho Vidal ha realizado un simpático vodevil trasladando los personajes y situaciones del siglo XVII al Madrid de la Segunda República. El enredo está servido con humor entre canción y canción y música en vivo. Una escenografía muy sencilla pero funcional acoge el atractivo montaje que reivindica la presencia transgresora de la mujer.
Teatro del Duende se ha adentrado en el drama social de lo que denominamos violencia doméstica junto a las relaciones de supervivencia centradas en una cárcel. En Dile a mi hija que me fui de viaje de Denise Chalen se asiste al devenir diario de dos presas que comparten celda. La convivencia interna pasa del desencuentro a la colaboración y complicidad frente al mundo exterior que se insinúa en el texto donde las relaciones de poder, necesidad, violencia y desesperación están patentes. La puesta en escena, dentro de los cánones convencionales, muestra una escenografía cerrada propia de una prisión y cuenta con tres actrices que realizan un equilibrado y convincente trabajo.
El teatro lúdico por excelencia estuvo presente en Mundo final por la compañía Ron Lalá. Cinco magníficos actores realizan una sesión alocada, gamberra y musical donde se ironiza sobre diversos aspectos y situaciones de nuestra sociedad. El entretenimiento y la sana diversión están garantizados. El romance del Rey del Mundo utilizando conceptos del mundo digitalizado es todo un alarde de ingenio y de sano humor. El aporte intelectual corrió a cargo de GO Theaterproduktionen y Valldum Producciones que pusieron en escena El hermoso viaje de los osos panda contado por un saxofonista que tenía una amante en Frankfurt de Matéï Visniec. La obra plantea una abstracción entre el ser espiritual y el corpóreo. Con un lenguaje contemporáneo utilizando proyecciones filmadas y en vivo, sonidos procedentes de diversas fuentes, y objetos con categoría de personajes, el montaje se apoya más en la palabra que en las imágenes y en la acción.
Contenido juvenil
 Sin abandonar el teatro convencional, hubo una serie de propuestas que abordaron ciertos temas de aventuras con algún tono didáctico. En El hombre que quiso ser rey de Ignacio García May, se narra un cuento épico apoyado por música hindú con una escenografía alegórica de India. La compañía Tigre Tigre Teatro & CDN hace una apuesta por la cultura literaria y la antropología. Del mismo modo, Escéna Te ha tomado la literatura como materia teatral. En El Caballero se escenifica la figura de Amadís de Gaula con un precioso juego teatral basado en la palabra y en la buena interpretación actoral, destacando la discreta fantasía del vestuario y de la iluminación. Asimismo, la compañía de Luis Hostalot realizó un sencillo homenaje a la literatura con la escenificación de El Quijote en versión bululú.
Alguna parte de los jóvenes de hoy podría sentirse retratada en El viajero perdido de César Mallorquí realizado por la compañía Telón Corto. La épica historia narra el viaje de un joven desde Madrid a La Coruña en un paralelismo con Ulises y la Odisea. El juego de las proyecciones filmadas con los personajes en escena aporta una curiosa sensación espacial. Aventura y literatura se dan cita en este montaje juvenil.
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